最近、集中して行っているのが、パッカーの練習。何を今更、という感じもしますが、実は私はパッカーの演奏が大の苦手なのです。普段は全てタング・ブロックで演奏するので、たまにパッカーで吹いてみると、うわっ何これ！というお粗末な演奏になります。これまでタング・ブロックのみの演奏に不自由を感じたことはなかったのですが、訳あって、パッカーももうちょっとましにできるようになろうと心に決めたのでした。その訳というのは、オーバー・ブロウ / ドローを演奏に取り入れようと思い始めたことにあります。私は、オーバー・ブロウ / ドローがまだ、タング・ブロックでできないんですね。練習はしているのですがなかなかできなくて、これは時間がかかりそうだということで、とりあえずはオーバー・ブロウ / ドローを使う時はパッカーに切り替えようと決めたのであります。

プロの人はだいたい、パッカーとタング・ブロックをミックスして演奏していることがほとんどだと思いますが、ジョー・フィリスコやデニス・グルンリングなど、ほぼ100%タング・ブロックを使う人もいます。デニスに憧れてハープを始めた私としては、彼の言葉を信じて （笑）、タング・ブロックこそがブルース・ハープの道だ！というような感じでこれまで練習して来てました。今でもそういう思いは少なからずあって、タング・ブロックを多く使うプレイヤーの演奏の方が、音色もその演奏のアプローチも、好みだと感じることが多いです。しかし、デニスやジョーの様にタング・ブロックでオーバー・ブロウ / ドローができるようになるにはまだまだ時間がかかりそうだし、それまではひとつパッカーでやってみようじゃないか、ということにしたのです。以下、練習の覚え書きです。

まずはトーン （音色） 作り。良いトーンが出せなければ何も始まらない、ということで、いつものスケールをパッカーで練習。ううっ。トーンがかなり貧弱。特にベンド音。口の先をすぼめてストローで飲み物を飲む時のように 「チュー」 という感じで吸うという、薄い音にならないためには死んでも避けたいやり方でベンドをしそうになってしまう。いかーん！！そこで、タング・ブロックに切り替え、同じ音を吹いて、正しい身体の使い方を確認。そうそう、ここなのよねー。口の形は変えないで、喉のこのあたりを下げる感じで、この部分で発音するようにベンドするのよねー。と確認して、今度はそれを再現するようにパッカーで吹いてみます。こうして、タング・ブロックで見本を示して （自分で自分に見本を示すというのも変な話ですが。）、パッカーで再現するのというのを繰り返し練習して、良いトーンでスケールが吹けるようにします。まあ、なんとも面倒な練習であります。

タング・ブロックだとベンドがしにくいと言う人もいますが、私は、正しい身体の使い方でのベンドを学ぶには、タング・ブロックはとても役に立つと思います。パッカーだと口先でベンドをするという間違いを犯してしまうことは簡単ですが、タング・ブロックだと舌と口がハーモニカに固定されるため、嫌でも口先以外の場所を使ってベンドをしなくてはならなくなります。舌をハーモニカにつけ、口を大きく開くことによって、口の奥や喉が開きやすくなるので、ナチュラル音 （ベンドしない音） のトーンも良くなることが多いです。「すべてタング・ブロックで演奏するべきだ」 とは言いませんが、トーンやベンドのテクニックを改善したいと思っている方は、試してみる価値は大いにあると思います。

さて、スケールがだいたいできるようになったら、次はタング・ブロックとパッカーの切り替えの練習。スケールを、タング・ブロック→パッカー→タングブ・ロック→パッカー・・・と、一音ごとに切り替えて練習。トップの音まで行って戻ってきたら、次は同じスケールをパッカーから始め、パッカー→タングブ・ロック→パッカー・・・と練習。これもまた面倒ですが、効果はありです。

更に、私がいつもタング・ブロックで練習する基礎練習のひとつ、タング・スラップとコード・リズムを織り交ぜたブギ・パターンを、パッカーで練習。ビッグ・ウォルター様がよく使うテクニックです。これを、12バーの構成でやります。ウォルター様はタング・ブロックを使っていますが、それに近いサウンドをパッカーで作り出すようにがんばるのです。良いトーンで吹けているか、きちんとアーティキュレートできているか、ベンド音のピッチは正確か、などとひとつひとつ確認できるゆっくりのテンポからはじめて、少しずつテンポを上げていきます。

これらの練習を始めてから今日で5日目くらいですが、だいぶ自然にパッカーの演奏ができるようになってきました。私は使うポジションが多いので、スケールもブギ・パターンも、全てのポジションでやると、かなりの量になります。パッカーの練習の他に、毎日の日課であるタング・ブロックでの練習も普通にするため、最近は基礎練習だけでものすごく時間がかかってしまいます。でもそのおかげで、この頃は曲をやってもなかなか調子が良いです。楽器の演奏はスポーツのように、日々の体作りがものを言うというところがあると思います。

オーバー・ブロウ / ドローを演奏で使うことについても書く予定でいたのですが、思いのほか長くなったので、次回にしたいと思います

先日、トーン・ワークショップについて書いたので (＞Tone Workshop)、今日ももう少し、トーン （＝音色） について書いてみたいと思います。

ヨーロッパやアメリカで、ブルース・ハープの世界に深くはまっている人と話す時、必ずと言っていいほど耳にするのが、トーン (tone) という言葉です。「あいつはすごくいいトーンをしてる！」 とか、「どうやったらあんなトーンが出せるんだ！」 とか、「すげー、聞いた？あのトーン！」 とか、そんな感じ。ハーピストにとって、「良いトーンをしている」 というのは、最高の褒め言葉のひとつなのです。もちろん、肩を上げて、両手でハーモニカをぎゅーっと顔に押さえつけるように持って、前かがみになりながら、耳をつんざくような音で吹きまくるのがブルース・ハープだと思い込んでいる人もたくさんいます。しかし、良い演奏をしたいと熱心に研究している人ならば、必ず 「トーン」 という言葉をどこかで聞いたり読んだりして、自分のトーンを改善する練習をしているのです。

元はといえば、私がブルース・ハープにのめり込むことになった原因のひとつも、この音色に対するこだわりでした。私の本業は、クラシックとブルースを弾くピアニストなのですが、クラシックを弾く時とブルースを弾く時では、楽器や演奏に対するアプローチがかなり違うということを常々感じています。クラシックの場合は、針に糸を通すような神経の細かさで、一音一音の音色を練って行きますが、ブルースの場合は、ピアノという楽器の打楽器としての一面や、一音一音ではなく全体の雰囲気としてのトーンが重要になってきます。誤解のないように言っておくと、私は、ブルースがクラシックよりも簡単だと言いたいわけではありません。ブルースを弾くことはクラシックを弾くことと同じくらい、私にとって重要なことなのです。クラシックにはクラシックの、ブルースにはブルースの魅力があり、演奏において重要とされる部分が違っているだけのことです。そして、「音色」 ということだけに限って言えば、ブルースにおいては、クラシックに比べて、その幅の広さが限られているのは事実だと思います。言い換えれば、ブルースの演奏においては、ピアノという楽器が持つ多大な可能性と表現力の、ほんの一面しか使われていないということになります。

ジェームス・ブッカー (James Booker) のように、クラシックのテクニックと音色でブルースや R&B を弾いたピアニストもいますが、それはあくまで特殊な例です。それから最近は、ライブでは電子ピアノが使われることが多く、そのことも音色を限らせてしまう原因のひとつだと思います。とにかくそんな感じで、ブルース・ピアノを愛しつつも、私の中には音色が重視されないというフラストレーションが溜まっていったんですね。

そこで、ブルース・ハープなわけです。音色を聞いただけで、誰の演奏か言い当てられてしまうブルース・ハープ。たった一音のロング・トーンで、人の心を揺さぶることのできるブルース・ハープ。こういう音色が重視される楽器で、ブルースを演奏してみたい！と思ったのです。頭に描いた音が出なくて落ちこむことも多いのですが、常に音色に気を使って、一音一音、音をシェイプしていくブルース・ハープの練習は、私にとって、やりがいのある楽しい作業なのであります。